Rencontrez le consultant en histoire de l’art pour ‘Beyond Van Gogh: The Immersive Experience’

Rencontrez le consultant en histoire de l'art pour 'Beyond Van Gogh: The Immersive Experience'

Fanny Curtat, consultante en histoire de l’art pour “Beyond Van Gogh : The Immersive Experience”.Timothée Norris

« Le plus triste dans l’art, c’est qu’il est considéré comme trop élitiste. Mais ce que l’art apporte aux gens, c’est universel », a déclaré Curtat, 36 ans, doctorant à l’Université du Québec à Montréal. Les expériences artistiques immersives « ont la possibilité de fournir un large accès à un public qui pourrait penser [art] n’est pas pour eux. Il ne remplacera jamais un musée. Il s’agit de fournir un point d’accès différent.

“Vous n’avez pas besoin de savoir quoi que ce soit sur Van Gogh pour y aller”, a-t-elle ajouté. “Plutôt l’inverse. C’est une excellente façon de le découvrir.

“Beyond Van Gogh” utilise “une technologie de projection de pointe et une partition originale” pour présenter quelque 300 œuvres de Van Gogh réparties sur 30 000 pieds carrés. Le spectacle itinérant, créé par le directeur créatif franco-canadien Mathieu St-Arnaud et son équipe du Normal Studio de Montréal, a vendu près de 3 millions de billets dans le monde, a déclaré Curtat.

Curtat a récemment parlé au Globe de la production.

Q : Comment vous êtes-vous impliqué dans ce projet ?

Curtat : Normal Studio a commencé à chercher un historien de l’art car ce projet est vraiment une conversation entre ces outils de projection de pointe et des objets plus traditionnels. J’ai été embauché en octobre 2020, le salon lancé au printemps 2021.

J’étais vraiment curieux de savoir quel était leur angle et comment ils voulaient s’y prendre. On s’est vite rendu compte qu’on était sur la même page : profiter de ces outils, du fait qu’il ne s’agit pas d’une exposition muséale conventionnelle, mais aussi rester fidèle à l’œuvre elle-même.

Quel était votre rôle ?

Mon rôle était d’aider à comprendre comment l’histoire de Van Gogh pouvait se rapporter à un public du 21e siècle, quelles pièces choisir. Nous savions que certains étaient inévitables – il serait presque cruel de ne pas inclure “The Starry Night” ou “Sunflowers”. Mais alors dans quel ordre les met-on ? Comment donner du sens à son parcours ?

Nous avons une opportunité incroyable – généralement, les musées doivent négocier et troquer pour obtenir des pièces. C’est difficile d’avoir un voyage Van Gogh parce qu’ils sont si chers, l’assurance est si chère. Donc, d’une certaine manière, nous avons eu beaucoup de chance. Bien que nous n’ayons pas l’aura, la magie pure, d’un original, nous avons la possibilité de choisir à peu près n’importe quelle peinture. Il en a fait plus de 850, et quand on ajoute toutes les aquarelles, croquis, dessins, on obtient près de 2 000 pièces.

Alors, comment avez-vous procédé pour le commissariat ?

Il y a une sorte de trajectoire facile dans son travail. Quand il a commencé, aux Pays-Bas, son travail est beaucoup plus sombre – des tons plus sombres, des nuances plus sombres. Puis il arrive à Paris et rencontre les impressionnistes, et tout d’un coup tout s’éclaire. Puis il arrive dans le sud de la France et vous avez ces couleurs merveilleuses, des mouvements de pinceau incroyables, l’intensité, la texture de celui-ci. Donc c’est vraiment suivre cette évolution de l’obscurité à l’explosion de couleur. C’est ainsi que nous avons procédé pour ce spectacle, pour suivre l’évolution naturelle.

Comment avez-vous choisi quoi utiliser dans ses lettres ?

C’était très difficile. [laughs] Il y en a plusieurs. Il s’agissait de trouver ce qui résonne avec les sensibilités d’aujourd’hui. Parfois, il s’agit de choisir une citation qui va avec un certain thème ; parfois les mots sont destinés à donner de la profondeur à ses peintures, parfois il s’agit de donner de la profondeur à qui il était, comment il voyait le monde, comment il se voyait. Encore une fois, pas ce génie fou dans le coin de la pièce, ostracisé. Ce n’est pas qui il était. C’est injuste de voir toute sa vie réduite au point le plus bas de sa vie, ce qu’il a reconnu et dont il était si lucide.

Vous avez raison de dire que l’image de la culture pop de Van Gogh est la douleur, l’oreille, l’asile. Alors, qui était le vrai Vincent tel que vous le voyez ?

Eh bien, il y a une partie de cela qui est indéniablement vraie. Il a souffert. On ne peut pas enlever sa souffrance, mais on peut y ajouter de la complexité. Même avec [his work’s] reconnaissance. Il y a cette stigmatisation autour de lui – et c’est vrai – qu’il ne vivait pas de la peinture. Mais il est mort à 37 ans et gagnait déjà du terrain. S’il avait vécu aussi longtemps que Monet, il [could] ont été tout aussi riches et populaires.

Que voulez-vous que les téléspectateurs de Rhode Island retirent de cette expérience ?

Pour les gens qui sont intimidés par les musées – et l’art peut être intimidant – j’aimerais qu’ils ne ressentent pas cela. Sentir qu’ils ont des clés, du contexte, et par cette dernière pièce, avoir développé une connexion avec Van Gogh. Peut-être seront-ils curieux de voir un original. Il n’y a rien de tel. Il s’agit de proposer différentes manières d’expérimenter l’art, de rapprocher différents publics qui pensent peut-être que ce n’est pas pour eux et de les impliquer dans le monde de l’art.

Pour les personnes qui connaissent déjà Van Gogh, c’est le fantasme d’entrer dans l’œuvre que vous aimez.

Avez-vous toujours aimé Van Gogh ?

C’est marrant parce qu’avant ce projet, j’en avais entendu parler, bien sûr, mais plus d’un point de vue théorique. En me lançant dans ce projet, j’ai pu renouer avec le biographique. Lorsque vous entrez dans l’histoire de la vie, c’est là que vous vous connectez émotionnellement. Je comprends pourquoi tout historien de l’art qui finit par se spécialiser sur Van Gogh finit par avoir les larmes aux yeux lors d’une conférence. C’est tellement cru.

Avez-vous travaillé sur d’autres immersifs ?

[Our team] a travaillé sur “Beyond Monet” qui a ouvert ses portes à Toronto en août 2021 [now in Ottawa.] Nous travaillons avec National Geographic sur King Tut. Le ciel est la limite avec ces types d’appareils. C’est une portée incroyable que ces projets peuvent avoir. Mais cela n’a jamais été conçu pour remplacer une expérience muséale.

Comment voyez-vous ces expériences immersives avoir une place dans le monde de l’art ?

Je ne demanderais rien d’autre au monde de l’art que de remettre en question chaque développement. Nous ne savons pas vraiment ce qu’ils feront de notre expérience de l’art. Nous ne savons pas vraiment ce qu’Instagram ou les médias sociaux font à notre façon de vivre l’art. Nous sommes trop proches pour apprécier pleinement ce qu’il fera.

Les expériences immersives existent depuis près d’une décennie, et elles ne vont nulle part – si quoi que ce soit, elles se développent. Donc, étant donné que le changement est là, autant voir ce qu’il peut faire en termes de connexion des publics.

Cette interview a été éditée et condensée.


Lauren Daley peut être contactée à ldaley33@gmail.com. Suivez-la sur Twitter @laurendaley1.

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