Pourquoi voir “l’artiste de l’artiste”

Pourquoi voir "l'artiste de l'artiste"

Le détail le plus poignant de “Cézanne”, une co-exposition entre l’Art Institute et la Tate Modern de Londres, est également l’un des plus infimes. Si vous avez déjà vu les œuvres de Paul Cézanne exposées auparavant, vous l’avez probablement vu attribué à Paul Cézanneavec un accent sur cette première syllabe.

Mais ce n’est pas ainsi que Cézanne a signé son propre nom. Il est venu sans accent, comme son nom aurait été écrit dans son Aix-en-Provence natale. L’accent était une imposition parisienne, une convention moins consentie qu’imposée à Cézanne pour s’adapter aux normes dialectiques.

“Cézanne” laisse tomber cet accent dans cette rétrospective, la première aux États-Unis en quelque 25 ans et la première à l’Art Institute en plus de 70. Le correctif est subtil, mais tout un monde de bagages pend à ce petit bout de stylo. Au cours de sa vie, Cézanne a zigzagué entre Paris et la Provence – jamais tout à fait à l’aise dans l’une ou l’autre, mais aussi ne prenant jamais la peine de s’installer chez lui.

Le bras de fer entre l’urbain et le provincial était l’un des nombreux dans la vie de Cézanne. C’était un artiste du XXe siècle qui luttait contre les restrictions du XIXe, adopté ni par l’École des Beaux-Arts traditionnelle ni par les impressionnistes alors radicaux. Mais des contemporains comme Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Edgar Degas et Paul Gauguin ont reconnu son génie alors que peu d’autres l’ont fait, consacrant avidement la réputation de Cézanne en tant qu ‘«artiste d’artiste».

Donc c’est resté. “Cézanne” invite 10 artistes vivants à discuter de l’influence du maître français, chacun sélectionnant une œuvre à analyser parmi les 80 peintures à l’huile, 40 aquarelles et dessins et deux carnets de croquis exposés. Les visiteurs peuvent lire Kerry James Marshall geek sur l’utilisation de la perspective dans “Madame Cézanne dans une chaise jaune”, ou les souvenirs nostalgiques de Phyllida Barlow de voir “Mont Sainte-Victoire” en tant qu’étudiant en art dans les années 1960. L’artiste de Chicago Julia Fish devient encore plus personnelle en écrivant une ode à la nature morte de Cézanne “Les Trois Crânes”.

« Le public le plus important pour l’œuvre de Cézanne au cours de sa vie, sans aucun doute, était ses collègues artistes. C’est l’esprit que nous poursuivons dans l’exposition », explique Caitlin Haskell, conservatrice d’art moderne et contemporain à l’Art Institute.

Là où certaines rétrospectives ressemblent à de l’hagiographie, « Cézanne » est aussi brut de décoffrage que son sujet. L’exposition se déroule de manière non chronologique, regroupant à la place la collection de l’Art Institute et de la Tate par thèmes, genre ou lieu. Les spectateurs commencent par les premiers paysages de Cézanne, pour lesquels l’artiste allait déjà à l’encontre des conventions en peignant des bois denses et ronces avec la même attention que les panoramas photogéniques. Il progresse à travers des œuvres de figures, une poche cachée sur son style de coup de pinceau et une vaste section sur les natures mortes.

« Nous voulions vraiment montrer Cézanne au présent. L’espacement de l’œuvre, la couleur des murs… tout est très avant-gardiste, le présentant de la même manière que nous le ferions pour un peintre du 20e ou du 21e siècle », explique Haskell. “Nous voulons que ses peintures travaillent sur vous en tant que visiteur et ne les médiatisent pas tellement avec le design.”

La dernière salle est réservée à une collection des célèbres peintures de baigneuses de Cézanne, regroupées dans un épisode de sa série épique “Les Grandes Baigneuses”. Mais ce n’est que la plus grande toile de l’exposition par une toute petite marge. Un deuxième proche est un portrait presque grandeur nature du père de Cézanne lisant un journal, un clin d’œil à la longue ombre que Louis-Auguste Cézanne projetterait sur la vie de son fils. Associé dans une banque prospère, Louis-Auguste était assez riche pour fournir une couverture financière à son fils quand il en avait besoin, ce qui était souvent le cas.

Cela ne veut pas dire qu’il l’a fait avec joie. Louis-Auguste voulait que son fils soit avocat, une déception dont il ne se remettra jamais complètement. Dans son portrait de 1866, l’expression de Louis-Auguste est essentiellement opaque – pour Cézanne, le corps aurait toujours plus de potentiel expressif que le visage – mais un air renfrogné est clairement rendu. Il est représenté le dos tourné à l’une des natures mortes de son fils de l’époque, “Sugar Bowl, Pears, and Blue Cup”.

« Je suis sûr que Cézanne ne pourrait jamais plaire à son père. Le fait qu’il cache son mariage et son propre enfant à son père montre que ce n’était pas une relation normale. Mais aussi domestique que soit ce portrait, avec son petit bonnet de nuit et ses sabots et tout, il est intronisé », déclare Gloria Groom, responsable de la peinture et de la sculpture européennes de l’Art Institute et co-commissaire de l’exposition.

Tension mise à part, Groom note que la richesse héritée de Cézanne l’a libéré pour casser l’art qui l’intéressait. lui, même s’il s’agissait de peindre pour “un seul public”. Cézanne a à peine signé et daté ses pièces, signalant qu’il ne se souciait pas beaucoup de trouver un public payant.

Ce manque de documentation a été un casse-tête pour les historiens de l’art, mais il a profondément influencé la présentation non linéaire de l’Art Institute et de la Tate – et, bien sûr, ce “e” sans accent. « Cézanne » présente ces complications mais ne prétend pas tracer un chemin à travers elles. A l’image du bosquet accueillant les visiteurs à l’embouchure de l’exposition, il ne tient qu’à vous de sillonner votre chemin.

C’est ce que Cézanne a fait, après tout.

“Cezanne” est exposée jusqu’au 5 septembre à l’Art Institute of Chicago, 111 S. Michigan Ave.; appelez le 312-443-3600 ou visitez artic.edu/visite pour les heures, les tarifs d’admission et plus d’informations.

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