Anthony “Bunmi” Akinbola utilise l’art comme commentaire social

Cutlured Mag

Anthony “Bunmi” Akinbola aimerait être connu en tant que créateur individuel, et non pour une œuvre spécifique. Cela pourrait bien être le produit de son évolution artistique. Les premiers souvenirs d’Akinbola en matière de création artistique se sont produits aux côtés de sa famille; ses parents possédaient un magasin dans sa ville natale de Columbia, dans le Missouri, tout en exploitant une organisation artistique locale à but non lucratif. Enfant d’immigrants nigérians, il se souvient clairement d’avoir été assis à l’arrière du magasin de sa mère, fouillant dans les fournitures d’art et les monographies sur Picasso, réalisant que les formes qu’il connaissait si bien pouvaient être reconfigurées, élargies afin de créer un commentaire visuel. À l’école primaire, il réalise 50 copies de ses dessins et les vend dans le quartier ; l’autoproclamé MacGyver a créé des figurines en aluminium pendant son temps libre, construisant des jouets à partir de zéro en utilisant des matériaux provenant de son garage. Ce qu’il appelle une «création de type suburbain» – une réponse à l’ennui – s’est depuis transformé en une carrière évolutive et multidisciplinaire couvrant les médias et les thèmes. Aujourd’hui encore, il infuse des ready-made et des objets trouvés dans son travail.

homme debout contre le mur rouge
Anthony “Bunmi” Akinbola devant son travail Rosso Corsa2020. Toutes les photographies sont publiées avec l’aimable autorisation d’Anthony Akinbola et de Cameron André.

L’artiste basé à Brooklyn considère son art comme référence. Il se souvient clairement d’un premier collage qu’il a réalisé au sommet d’un grand drapeau américain intitulé Cible d’entrainement (2015), sur lequel il avait cousu des portraits qu’il avait pris d’amis noirs, chacun révélant une expression faciale différente, leurs corps remplacés par des cibles de tir en silhouette. Akinbola avait interviewé chaque personne et pris ses photos quelques années seulement après avoir lui-même été victime de violence armée. Il voulait explorer sa propre perspective sur la violence armée, et cela, pense-t-il, était un moyen de grandir dans son identité noire américaine. Ayant grandi avec une identité africaine renforcée, il a fallu du temps à l’artiste pour se sentir accepté comme un Américain plutôt que comme un enfant d’immigrés ; à partir de ce moment, il a commencé à incorporer des nuances de violence épistémique et de théorie critique de la race dans son travail, répondant à sa noirceur tout au long, ne se promenant que plus tard dans des thèmes comme la marchandisation et la théorie des couleurs.

Sculptures africaines dans la collection d’Akinbola.

La matière joue un rôle essentiel dans l’art d’Akinbola. Il travaille l’huile de palme, les boyaux, les durags ; chaque décision est importante et enracinée dans la recherche. L’artiste, par exemple, a passé les quatre dernières années à explorer l’utilisation de l’huile de palme au-delà de la cuisine, en apprenant les pratiques de production de l’huile, qui nécessitent un défrichement important et produisent du feu et de la fumée. Dans son travail, le symbolisme de l’huile de palme évoque la calamité de la pandémie, un motif qui, selon lui, était “suffisamment vague pour être significatif”. Quant aux douilles, ce sont des pièces que l’artiste a rencontrées en Belgique lors d’une résidence 2017-2019 à The Verbeke Foundation. Il a commencé à penser au son, aux fantômes persistants des douilles frappant leur cible, et il a donc conçu un appareil qui ferait tomber les douilles de la probabilité, leur permettant de tomber en créant du son dans l’espace, qu’il y ait ou non quelqu’un dans l’espace. . “C’est très similaire à la façon dont ces incidents se produisent à l’extérieur dans les rues réelles, cela se produit que vous soyez présent ou non”, a partagé l’artiste. Tout en menant des recherches préliminaires, Akinbola a examiné les différents types de balles, leur origine et les différents sons qu’elles produisaient, les changements narratifs qui se sont produits au fil du temps jouant dans son travail, en grande partie dans le but de vraiment comprendre le matériau.

La pleine conscience et l’intentionnalité sont primordiales. Au fur et à mesure qu’Akinbola fabrique ses pièces, il s’efforce d’en savoir plus sur le monde qui l’entoure et permet à ses pièces d’évoluer naturellement au fil du temps. Certains corps de travail, admet-il, deviennent des pièces entièrement différentes au fur et à mesure de leur progression. Par exemple, ses œuvres durag – qui traitaient initialement de l’accessibilité et de la respectabilité, une réponse au sentiment de l’artiste altéré en entrant dans les galeries – se sont transformés en deux conversations distinctes autour de la composition et de la couleur, la nature toute faite de la production de masse. Chaque œuvre reflète un processus de découverte de soi, commençant littéralement avant de passer à une approche plus théorique de la couleur, de la texture et de la flexion du tissu. Les œuvres sont ainsi devenues plus subversives, une forme d’abstraction figurative.

Chaque spectacle est organisé pour l’espace en question. À Vienne, la récente exposition «Multilatérale» d’Akinbola à la galerie Krinzinger – où l’artiste a obtenu une résidence en 2020 – est une réponse à la vie en Autriche. Le terme multilatéral lui-même est souvent utilisé dans les relations internationales pour décrire l’intersection des cultures, la jonction de l’abstraction et de la représentation entre différents corps. L’exposition fusionne des œuvres de toute la pratique de l’artiste, y compris celles de sa célèbre série « CAMOUFLAGE », mettant en vedette les durags susmentionnés, des déclarations visuelles de l’identité noire, de la consommation mondiale et de la marchandisation culturelle. L’exposition comprend également de nouvelles œuvres non encore présentées au public, tirant parti de l’huile de palme et d’autres matériaux pour reconnaître la destruction provoquée par COVID-19. Akinbola réitère qu’il a tiré des éléments de son expérience pour donner vie au spectacle, reconnaissant qu’il y a des moments où il ne peut tout simplement pas travailler avec certains matériaux en fonction de l’emplacement. « Je me souviens d’avoir amené des durags d’Amérique en Belgique pour travailler sur certaines peintures, et je n’ai même pas fini par faire les peintures. Cela n’appelait tout simplement pas à être fait à l’époque », explique-t-il. Les durags, réitère-t-il, ont commencé comme un commentaire sur son expérience de vie en tant qu’homme noir aux États-Unis, n’évoluant que plus tard vers la théorie des couleurs tout en adaptant les œuvres à Vienne.

Akinbola apprécie que chaque œuvre, et chaque série, présente un point de départ unique déclenché par un lieu spécifique. Il espère que pour chaque objectif et pour chaque matériau, travail ou série, il pourra revenir après une décennie, recontextualiser son objectif et ajouter une nouvelle profondeur renouvelée au sens. « Si c’est une bonne œuvre d’art, on grandit avec elle », explique l’artiste. Et la croissance est certainement sur le radar d’Akinbola. Dernièrement, l’artiste a montré son travail chez Hauser & Wirth dans l’exposition “The New Bend”, qui présentait 12 artistes contemporains explorant les traditions raciales, de classe et de genre de la courtepointe et de la pratique textile. Il a récemment montré son travail à Los Angeles, lors d’une exposition intitulée “Black”, qui s’est tenue en février, organisée pour examiner l’impact émotionnel de la couleur noire. Parallèlement, l’artiste multidisciplinaire écrit un spectacle avec un ami, travaille sur des projets audiovisuels et crée et rédige une programmation pour l’association artistique familiale. “Mon parcours en tant qu’artiste a beaucoup à voir avec la façon dont je vis le monde, mes insécurités, mes peurs, mes rêves, dit Akinbola, c’est une attention pour le banal, un respect pour le quotidien, une curiosité pour l’inconnu et encore à vivre. »

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